A Not Completely Lost History

Origen: A Not Completely Lost History

Una historia perdida no completamente

Los artistas de post demostrar que las pinturas y los dibujos pueden ser cautivadoras años después de que fueron hechas, y que tiene un estilo oportuna una forma de ser poco interesante, incluso momificar.

Bob Thompson, “Bacanal” (1960), óleo sobre tabla (todas las imágenes cortesía de Steven Harvey Fine Art Projects)

En 1952, Tibor de Nagy dio Fairfield Porter su primera exposición individual, en la impulsión de Willem De Kooning, junto con Larry Rivers y Jane Freilicher. Porter estaba en su mediados de los años 40 en el momento. Poco después de Earl Kerkam murió en 1965, seis artistas escribieron una carta conjunta al museo de arte moderno indicando, “Kerkam en nuestros ojos es uno de los mejores pintores de salir de América […]”. La carta llegó a decir que merecía ser mostrado en el MoMA. De Kooning fue uno de los artistas a firmar la carta. Pensé en esta historia, en gran parte ignorados por los museos de Nueva York, así el mundo establishment del arte, cuando fui a ver el espectáculo grupo Mensaje a Steven Harvey Fine Art Projects.

Los artistas de la exposición son Bob Thompson, Earl Kerkam, Elaine de Kooning, Gandy Brodie, Hoja Junio, Jan Müller, Lester Johnson, y Milton Resnick. Si bien no se incluye oficialmente, “Retrato de George Duthuit” (1940) de Anne Harvey estaba en el espacio de back office, junto con obras de Resnick, Thompson y Kerkam, todo lo cual complementa el espectáculo.

Elaine De Kooning, “Retrato de Anne Porter” (1945), grafito en el papel

La conexión de Kooning-Porter vino a la mente cuando yo estaba buscando en el hermoso dibujo de grafito “Retrato de Anne Porter” (1945) de Elaine de Kooning. Representando Porter sentado en una silla, perdida en sus propios pensamientos, sin indicación de los antecedentes, me preguntó si el retrato se inspiró en las delicadas líneas sinuosas, en los dibujos de Jean-Auguste-Dominique Ingres.

El marido de Elaine, Willem, creó retratos imaginarios sobre la base de Ingres, pero duro como clavos Elaine fue para los sujetos reales y se aclaró un gran espacio para ella. La determinación de empuje en el territorio propio es lo que los artistas de esta cuota de exposición. Esto no significa que las obras expuestas son los más fuertes por cada artista, pero lo suficiente de ellos son de primera clase para demostrar que las pinturas y los dibujos pueden ser cautivador años después de que fueron hechas, y que un estilo oportuna tiene una forma de ser poco interesante, mummifying aún.

Recuerde Neo-Geo y Neo expresionismo y que estaba caliente en la década de 1980? ¿Cuántos de los artistas relacionados con esos estilos de época siguen siendo interesantes (que es diferente a seguir invirtiendo en ellos)?

Earl Kerkam, “Retrato” (1950), óleo sobre tabla, 28 x 22 pulg.

Hay más de 15 obras, todos los dibujos y pinturas, en Post. Con la excepción del retrato Harvey, todos se hicieron entre 1945 y ’63 – año Roy Lichtenstein tuvo su primera exposición individual en la Galería Leo Castelli, con su firma Ben-Día puntos y globos de texto, y un año después de la galería de Sidney Janis montada la exposición internacional de los nuevos realistas , que incluía artistas de América del pop y artistas europeos relacionados con Nouveau realismo. Esta fue la primera muestra de los artistas pop en una galería de la parte alta de prestigio. Philip Guston y Mark Rothko, que también firmó la carta de apoyo a Kerkam, Janis dejar de fumar porque sentían la galería estaba siguiendo la última moda.

Al reunir a este grupo heterogéneo de artistas, casi todos ellos trabajan en sentido figurado (Resnick es la excepción), la exposición debe recordarnos de la moda papel importante, o lo que se llama la puntualidad, juega en la determinación de lo que se elevó en cualquier momento, y , a partir de la década de 1960, lo que el mundo del arte invierte.

Hay tres pinturas más destacadas de esta exposición: “Mulberry Street” (1963) de Lester Johnson, “Sin título (figuras sentadas)” (1953) de Jan Müller, y “Bacanal” (1960) de Bob Thompson. Ellos se hicieron durante el apogeo del expresionismo abstracto y los primeros años de Pop Art y pintura de campos de color, cuando se pinta con un pincel comenzó a ser sustituida por otros medios. Y, sin embargo, mirando a ellos ahora, no parecen pasadas de moda.

Lester Johnson (1919-2010) tuvo la carrera más larga, muy por sobrevivir a Jan Müller (1922-1958) y Bob Thompson (1937-1966). Thompson, cuyo trabajo se caracteriza por la técnica historiador Meyer Shapiro como irradiando “picor rhapsodical”, es el más conocido, y fue objeto de un estudio retrospectivo, Bob Thompson , en el Museo Whitney de Arte Americano (25 de septiembre, 3 de 1998 a enero , 1999). Johnson y Müller son figuras de culto.

Lester Johnson, “Mulberry Street” (1963), óleo sobre lienzo, 66 x 44 en.

“Mulberry Street” de Johnson es un azul profundo, pintura cambiante de una multitud de hombres sin rasgos en sombreros. Pintado mojado en mojado, las cifras tanto emergen de y desaparecen en la pintura. Son fantasmas palpables, lo que TS Eliot podría haber llamado “los hombres huecos”, pero no hay nada hueca sobre ellos. El crítico de arte Harold Rosenberg caracteriza los hombres de Johnson como “golem-like” ( Art News , 1966). La calle azul oscuro se eleva a lo largo de la mayor parte de la superficie de la pintura, con una banda de color azul pálido en la parte superior, lo que indica la luz y / o la calle. Riachuelos de pista azul oscura en la superficie.

No está claro si los hombres están caminando lejos de o hacia el plano del cuadro. A través de la pintura y el color, Johnson obtiene por el malestar que impregna la vida de los hombres que parecen ir a ninguna parte, excepto su próximo destino.

Müller, que estudió con Hans Hoffman entre 1945 y ’50, comenzó a separarse de su maestro a finales de 1940, cuando comenzó a cubrir sus superficies con forma de mosaico cuadrados y rectángulos, rechazando la noción “push-pull” de Hoffman de la composición. Müller estaba en sus finales de los 20 y tenía menos de una década de vida. Al pasar entre la abstracción y la figuración, “sin título (Figuras sentado)” (1953) es la primera “mosaico” la pintura a ser figurativa, marcando un cambio decisivo en la obra de Müller.

En “(Figuras sentado) Sin título,” Müller desaceleró las pinceladas de largo, vigorosas de abstracción gestual en bandas controladas de pintura a tope entre sí a través de la superficie de la pintura; la longitud y la curva de las alude pincelada a las dos figuras o su entorno. La diferencia entre pincelada de Müller y la de los artistas que trabajan con más energía es importante, ya que demuestra que la pintura con un pincel no se había agotado – el cepillo todavía podría ser utilizado para sofocar la pintura de una manera fresca. Cronológicamente, (figuras sentadas) “Sin título””marcas de Müller se mueve más lejos de la abstracción hacia desnudos en el paisaje – el idilio pastoral.

Jan Müller, “sin título (Figuras sentado)” (1953), óleo sobre lienzo, 59 x 49 1/2 en.

idilios pastoriles de Müller son lo que atrajo a Thompson, que era de Louisville, Kentucky, a Provincetown en el verano de 1958, pero llegaron demasiado tarde. Muller había muerto. Pintado cuando Thompson era de unos 20 años, “Bacanal” (1960) muestra a un artista que, inspirado por idilios de Müller y siluetas sin rasgos de Johnson de los hombres, ha hecho que estas posibilidades en algo propio. El grueso pintado “Bacanal” es un escenario de exceso, con una mujer desnuda extendidas en el medio de la composición horizontal. La violencia, el sexo y la gula se entrelazan. Este es el Edén para hedonistas, un fuera de control se ha ido escena pastoral.

Una mirada reflexiva en el período de 1945 a 1963 en la pintura americana sigue siendo necesario, con especial atención a los artistas figurativos de trabajo durante estos años. Kerkam, Brodie, y la hoja todavía necesitan ser estudiados. De acuerdo con Thomas B. Hess, escribiendo en la revista New York alrededor de 1963, “el rompecabezas histórico” que era el mundo del arte “fue dispersada de manera brusca [que] todo el arte Establecimiento cruzó la calle para evitar decir hola.” Hess parece ser lo que implica que hubo de repente un camino correcto a seguir.

Si me preguntas, la mayor parte del “arte Establecimiento” todavía está en el otro lado de la calle, convencido de que tienen razón. Ellos de boquilla a De Kooning, Shapiro, Rosenberg, y Hess, pero que en realidad no dan un bledo lo que representan.

Mensaje continúa a Steven Harvey bellas artes Proyectos (208 Forsyth Street, Lower East Side, Manhattan) hasta el 2 de febrero. 

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