15 Essential Works of Land Art – ARTnews.com

Origen: 15 Essential Works of Land Art – ARTnews.com

15 obras esenciales del arte de la tierra, desde Great Salt Lakes a Dusty campos del Rayo

Andy Battaglia

Cuando los artistas que fueron pioneros en lo que hoy llamamos arte Tierra fueron más allá de los museos y galerías para el aire libre, entraron en un mundo libre de limitaciones y al ras con materiales terrosos a su uso. En lugar de paredes blancas se levanta alrededor de ellos eran grandes extensiones de espacio y para siempre, que se extienden líneas de horizonte, y en lugar de cosas como epoxi y la pintura, se dirigieron a herramientas tales como piedras y tierra.

Aunque las fechas linaje siglos e incluso milenios, la flor de Land Art como un movimiento sienta más lleno en la década de 1960 y 70, cuando los artistas se aventuraron en desiertos en el oeste de Estados Unidos y comenzó a dibujar líneas y tallado en la tierra. Parte de la motivación fue a trabajar fuera de los confines de un mercado de arte cada vez más comercializado, para hacer obras cada vez más enigmáticas que no podían ser mercantilizados como objetos. Pero el espíritu detrás de ambiciosos proyectos varió-todos con un reconocimiento por el contemplativo de largos períodos de tiempo y un sentido vital de aventura.

A continuación se presentan 15 obras que ayudan a contar la historia del arte tierra, ya que se ha expandido y evolucionado.

Robert Smithson, Spiral Jetty (1970)
El más emblemático de los principales movimientos de tierra de los años 70, Spiral Jetty(Foto arriba) es un vórtice de 1.500 pies construido con más de 6.000 toneladas de rocas basálticas que hacen girar hacia fuera en Gran Lago Salado de Utah. Robert Smithson había estado intrigado por el lago, ya que le habían dicho que ciertas aguas infestadas organismo en que podría ser, como él escribió, “el color de la sopa de tomate”, y entre sus muchos intereses en la escultura en sí estaba jugando con el sentido de la escala. “El tamaño determina un objeto, pero la escala determina el arte”, escribió. “Una grieta en la pared si se ve en términos de escala, no el tamaño, podría ser llamado el Gran Cañón. Una habitación podría hacerse para asumir la inmensidad del sistema solar “. Durante las últimas décadas, la estructura ha ido y venido, el cambio a través de estados de inmersión o descansando en tierra firme como el lago en sí se expande y contrae. Pero permanece en su lugar y está abierto para visitas,

Michelle Stuart, Niagara Gorge Path Realojada (1975) 
Monumental sin embargo fugaz, como un montón de arte La tierra que ahora existe sólo en el histórico de registros Michelle Stuart Camino Niagara Gorge Realojada fue un 460 pies de largo rollo de papel descendió por una garganta que había sido, por una descripción en el libro de Stuart  esculturales objetos: viajes en y fuera del estudio“La ubicación original de Niagara Falls en el momento del último glaciar hace aproximadamente 12.000 años.” Esa ubicación original es ahora Lewiston, millas de Nueva York y siete de las cataratas ubicación actual y, de vuelta en los años 70, la casa de Artpark, un sitio importante para el arte tierra que las obras destacadas de otros artistas incluyendo Agnes Denes y Nancy Holt como así como una residencia en memoria de Robert Smithson (después de su muerte en un accidente aéreo en 1973, mientras trabajaba en otro proyecto de arte Land, Texas).

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Michelle Stuart, Niagara Gorge Path Reubicación , 1975.© STUART ESTUDIO ARCHIVO

Michael Heizer, Circular superficie plana Desplazamiento Dibujo (1970)
Algunas personas dibujar con lápices. Otros-como Michael Heizer a la altura de su hermoso oscuro y melancólico vaquero salvaje prime-dibujar con los neumáticos de un exceso de velocidad de la motocicleta a través de un lecho de lago seco del desierto. Esa era su herramienta de elección para circular superficie plana Desplazamiento dibujo , una serie de líneas inscritas en la tierra en los círculos de medición alrededor de 900 por 500 pies. El dibujo se disipa en el tiempo, pero la leyenda de sus vidas en decisiones sobre el legado de un artista cuya ciclismo pasado es, bien descrito. Como dijo Heizer de su infancia en un New York Times Magazineperfil en 2005: “No tenía muchos amigos. No era un tipo deportivo, un jugador de equipo. El único deporte que me gustaba a medida que crecía estaba montando motocicletas, y hacer que por sí sola “.

Walter De Maria, Pintura Amarillo / El color de los hombres Elija cuando atacan la Tierra (1968) 
Una curiosa inclusión en una importante exposición temprana “Movimiento de tierras” en Dwan Gallery en Nueva York, Walter De Maria de Pintura (ya que se tituló originalmente, antes de una más tarde alteración) cuenta con una pequeña placa de plata con la leyenda “el color de los hombres Elija cuando atacan la Tierra” en el medio de un gran lienzo pintados de color amarillo brillante. Contribuyendo a una pintura de una muestra de arte La tierra fue un movimiento traviesa ( “un acto de contrariedad ostentosa”, como escribió Suzaan Boettger en su libro Movimiento de tierras: el arte y el paisaje de los años sesenta), Y su color evoca el tono familiar de tractores de oruga de la marca y la maquinaria utilizada para hacer incursiones en el mundo natural.

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Maya Lin, Storm King Wavefield , 2009.JERRY L. THOMPSON / © MAYA LIN / CORTESÍA GALERÍA PACE

Maya Lin, Storm King Wavefield (2007-08)
Un campo de rodadura de los aspirantes a las ondas acuosas hechas con tierra y la hierba es un espectáculo surrealista en el estratificados Storm King Art Center en el norte de Nueva York, donde 500 acres de Hudson River Valley son idilio dedicado a enormes esculturas de diferentes tipos. El trabajo se relaciona con otros dos campos de ondas similares (en Ann Arbor, Michigan, y Miami, Florida), pero éste es el más grande, con siete olas que se extiende 400 pies de lado a lado y el aumento en formas entre 10 y 15 pies de alto . El efecto de caminar entre ellos salten, por así decirlo, es magnífico.

Andy Goldsworthy, Kelp arrojado a un cielo gris encapotado, Drakes Beach, California (2013)
Andy Goldsworthy ha hecho una gran cantidad de trabajo en el aire libre (como Maya Lin, más arriba, que tiene una pared de piedra increíble en Storm King Art Center que enrolla alrededor de los árboles e incluso se extiende bajo un estanque). Pero hay una especial elegancia y simplicidad en la maravilla evocada por una serie de fotografías para el cual arrojó algas marinas en el aire y capturó sus formas, rizado curvas en suspensión. Resulta que algas marinas, el viento y la gravedad puede conspiran para dibujar líneas tan estimulante como los de la mejor dibujante.

Richard Long, Dusty Boots Line (1988)
Richard Long trabaja con piedras y barro y montones y montones de caminar. Una obra temprana emblemática de los años 60 la hierba involucrados palpó en una línea por los pies del artista en movimiento, y por Dusty Boots línea , pateó piedras en el desierto del Sahara de distancia para despejar el camino en medio de un paisaje en el que lo hizo todo tipo de otras cosas durante un viaje fructífero en 1988. Como dijo el propio largo con motivo de una retrospectiva en Londres: “Para hacer que el arte sólo por caminar o dejar huellas efímeras aquí y allá, es mi libertad. Puedo hacer arte de una manera muy simple, pero a una escala enorme en términos de millas y el espacio “.

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Michael Heizer, Double Negative , 1969.MICHAEL HEIZER / © MICHAEL HEIZER / COLECCIÓN DEL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE LOS ÁNGELES

Michael Heizer, Double Negative  (1969)
Uno de los más de pulverización y movimientos de tierra poéticas de todo, Double Negative es un corte monumental en una meseta a 80 millas al norte de Las Vegas. Para ejecutar la obra, una parcela de una milla cuadrada de terreno fue comprado por el patrón de arte que trata de Virginia Dwan (que no conocía el propósito de la superficie cuando se compró por $ 27.000 y más tarde pagó según se informa $ 40.000 más para la construcción) . Heizer entonces excavado 240.000 toneladas de tierra a cada lado de un abismo que se bifurca por el espacio vacío en el medio. “Esa fue la metafísica,” Heizer dijo más tarde en los 2015 documentales alborotadores: La historia del arte de la tierra. En la misma película, ocupó sucesivamente más en el tema del arte del terreno: “No puedes cambiar esto. No se puede poner en el bolsillo. Si usted tiene una guerra, no se puede mover alrededor. No vale la pena nada. De hecho, es una obligación “.

Druga División, Giewont (1970)
Las acusaciones de ego-mongering y la megalomanía no eran raros durante el ascenso del Land art, y el artista polaco colectiva druga División envió el sentimiento con una obra maestra irónica de una especie poco común: un terraplén ambiciosa y meticulosamente documentado que era falso. El plan era cortado en Giewont, un pico en las montañas de Tatra en Polonia, y las cartas e ideas para otros cortes (en el siglo 14 castillo de Wawel en Cracovia, por ejemplo) fueron propuestos. Pero a medida que se pregunta el crítico de arte Martyna Nowicka en un catálogo de la exposición dedicada a Druga División, en el contexto de la “burla y estafa” integral al grupo: “¿Suena como una nota al pie loco a la historia del arte de la performance polaca” De hecho, lo hace.

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El segundo grupo, Giewont , 1970.JACEK MARIA STOKŁOSA / CRICOTEKA CORTESÍA

Bill Beckley, Cruce de Washington (1969)
Jugando con la forma en movimientos de tierra en lugares lejanos a menudo se experimentaron sólo a modo de fotografías y documentación, Bill Beckley construyó una especie de puente entre el arte de la tierra y la llamada “arte narrativo,” un estilo de mente conceptualmente en la que la historia era primordial. En 1969, se trasladó a la ubicación del famoso cruce del río Delaware de George Washington durante la Guerra de la Independencia y repitió la acción mientras se vierte pintura blanca detrás de él. Pero a medida que la crónica: “A medida que fui, la corriente me tomó bajo, y no sólo perdió la pintura sino también la cámara que estaba usando para documentar el trabajo. Me di cuenta de que todo lo que había dejado era la historia “. (Un dato divertido siguió, sin embargo, cuando Beckley poco después organizó una fotografía de sí mismo con una peluca en polvo y garb- Washingtonian “mi primera y última selfie”, como lo describió más tarde.)

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Charles Ross, estrella del Eje .CHARLES ROSS / ARTISTA © DERECHOS SOCIETY (ARS), NUEVA YORK

Charles Ross, estrella del Eje (1971-en curso)
de Charles Ross estrella Eje es un observatorio astrológico alineados y escultura arquitectónica en Nuevo México, donde las estrellas iluminan el cielo de la noche sin fin. Ross ha trabajado con la luz de diferentes maneras (incluyendo trabajos con espectros y “quemaduras solares” por la que se ilumina materiales incendiados, centrándose la luz del sol a través del cristal), y durante décadas, ha estado construyendo una enorme obra maestra que se eleva 11 pisos de altura. Cuando se abre al público (con una fecha proyectada en el año 2022), los diferentes túneles y cámaras mostrarán ciertos alineamientos cósmicos-de tal manera que, en una de ellas, “el espectador puede caminar a través de capas de tiempo celeste, haciendo visibles directamente al 26.000 ciclo de años de la precesión, la Tierra está cambiando la alineación con las estrellas “.

Dennis Oppenheim, los anillos anuales (1968)
Anillos anuales , para los que Dennis Oppenheim atrajo grandes líneas concéntricas en una helada que cubre más de un canal de agua, se basa en nociones de tiempo en los árboles y la nieve. Incrementando los patrones de anillos que muestran la edad de un árbol, el artista-como una descripción de la obra del Museo Metropolitano de Arte -explica “agranda los patrones de crecimiento del árbol y, por palear vías en la nieve, transpuesto la anual anillos a la vía de agua congelada que divide los Estados Unidos y Canadá y también divide sus zonas horarias “. Al jugar con la noción de límites entre el espacio y el tiempo, Oppenheim, el Met sugiere, “abierto a cuestionar los valores relativos de los sistemas de órdenes, ya que vivimos.” O como el propio artista dijo en un viejo tema de la avalancharevistas en todo el tiempo: “Asumamos que el arte se ha alejado de su fase manual y que ahora está más preocupado por la ubicación de material y con la especulación.”

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Nancy Holt, Arriba y Bajo , 1987-1998.© FUNDACIÓN SMITHSON / HOLT, LICENCIADO POR VAGA EN ARS, NUEVA YORK

Nancy Holt, Arriba y Bajo (1987-1998)
El creador de una serie de obras de arte Tierra (incluyendo a su bien conocido Sun Tunnelsen el noroeste de Utah), Nancy Holt llevó a una antigua cantera de arena en Finlandia por arriba y debajo , una tirabuzón serie de túneles cubiertos de hierba, y alineados en relación a la estrella del Norte. Charcos de agua reflejan el cielo, y las reuniones de la tierra de diferentes lugares alrededor de Finlandia figura en el mismo terreno. Como se sugiere en la página web de la Fundación Holt / Smithson (Holt estaba casado con Robert Smithson, de Spiral Jetty fama): “El trabajo proporciona una madura territorio de experiencias sensoriales y meditación conceptual por igual.”

Donald Judd, 15 obras en hormigón (1980-1984)
Si bien muchas de las esculturas minimalistas de Donald Judd se definen por sus mediciones meticulosas y la fabricación fina, 15 obras en hormigón es áspera y caer por la comparación. Las grandes cajas (cada juego con la medición y ciertas exactitudes de acuerdo, por cierto) fuera en vivo en la selva de Marfa, Texas, con un cepillo seco del desierto y conejos corriendo por todos lados. Y sirven como una lámina de tipo de Judd a 100 obras sin título de aluminio molino en un cobertizo de artillería cerca, todas esas obras, por el contrario, brillante y limpio y brillante. Las 15 obrasse hicieron con financiación temprana y el apoyo de la Dia Art Foundation (también responsable de otras obras de arte como tierra de Walter De Maria  Campo del relámpago y de Robert Smithson Spiral Jetty , que la fundación ha supervisado desde 1999). Como escribió Marianne Stockebrand en un ensayo sobre las grandes ambiciones de Judd en Marfa, “Tanto Dia y Judd compartieron ideales que tienen sus raíces en el Renacimiento, los ideales que ellos no tenían miedo a medirse frente, ya sea a nivel filantrópica o artística.”

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Walter De Maria, The Lightning Field , 1977.JOHN CLIETT / © LA FINCA DE WALTER DE MARIA / CORTESÍA DIA ART FOUNDATION, NUEVA YORK

Walter De Maria, The Lightning Field (1977)
La mayor parte del arte de otro trabajo Tierra de todos es The Lightning Field, Una matriz de 400 barras de plata colocados sobre un extremo en una extensión plana del desierto rodeado por montañas de Nuevo México. Estar allí es una experiencia sensorial intensa, con una estancia requerido durante la noche (en una cabaña que tiene capacidad para seis visitantes, que se registren por adelantado). Y todo cambia con el paso del tiempo en el paisaje todavía pero dinámico, las fluctuaciones en la luz del sol que hacen aparecer los polos a ser invisible cuando no se quema con las llamaradas de fuego de color amarillo y naranja. Sea o no la caída de rayos pueden llegar a sentir fuera de lugar de una experiencia que no es menos admirable es sin ella, y aventurarse a salir al mundo al final de una estancia pueden dejar a una persona cambiada. Como se explicó Walter De Maria, “El aislamiento es la esencia del arte de la tierra.” Pero así también,


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