Review: ‘Lifeline: Clyfford Still,’ a New Documentary by Dennis Scholl – ARTnews.com

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UNA NUEVA CLYFFORD STILL EXPLORA DOCUMENTAL LA VIDA Y OBRA DEL ENIGMÁTICO EXPRESIONISTA ABSTRACTO

En 1958, el artista, coleccionista y azúcar fortuna heredero Alfonso Ossorio recibió una visita inesperada de Clyfford Still . Los hombres habían estado discutiendo sobre la negativa de Ossorio para devolver una de las pinturas de Still: una gran abstracción negro y púrpura. El desacuerdo llegó a un punto crítico cuando Aún así, un miembro notoriamente cascarrabias de la Escuela de Nueva York, decidió tomar medidas. Con su esposa e hija, todavía tardó un taxi a la mansión de East Hampton Ossorio, irrumpió en la propiedad, que se encuentra el lienzo, acuchillado que más o menos de la camilla, la dobló, y se lo llevó a casa.

Todavía era famoso protector de su obra y legado, y podría ser combativa en la defensa de ambos. La quintaesencia del expresionista abstracto, todavía lleno de enormes lienzos con los campos empastada de color, a veces divididas por las marcas lineales irregulares que llamó líneas de vida. Todavía había una presencia importante en la posguerra Nueva York escena, a menudo le atribuye ser el primer americano prominente a abandonar la figuración, pero que, sin embargo, tenía poca paciencia para el establecimiento del mundo del arte de la ciudad, para decamping rural de Maryland en el apogeo de su éxito. Durante décadas, todavía quedaba una figura enigmática con un bajo perfil, al menos en comparación con sus pares como Jackson Pollock, Barnett Newman y Mark Rothko. Fuera del Museo Clyfford Still en Denver, que se abrió en 2011, ha habido pocas oportunidades de ver una amplia selección de los mejores trabajos de embargo desde 1979 una retrospectiva en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, que se abrió el año antes de su muerte. Las fuertes restricciones a reproducciones de sus pinturas que su viuda, Patricia Garske, mantenido hasta su muerte en 2005 contribuyeron aún más a Still relativa oscuridad.

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Supervivencia en: Clyfford Still (2019), un nuevo documental dirigido por Dennis Scholl que se empiece a transmitir este mes en Kino Ahora, proporciona una corrección atrasada. Las ofertas de la película un retrato íntimo del artista, haciendo uso de treinta y cuatro horas de grabaciones de audio ocasionales de diario de Still. Scholl también entrevistó Still dos hijas, profesionales de museos que se preocupan por su trabajo, y artistas contemporáneos inspirados por su ejemplo Los relés de cine en detalle vívido momentos reveladores como la disputa Ossorio pero Supervivencia‘S relevancia tiene menos que ver con el relleno en las motivaciones privada del artista que con destacando sus posturas públicas. En un momento en el mercado del arte estadounidense estaba empezando a despegar, aún se negaba a vender y compromisos aborrecía, ya sea con los distribuidores, los galeristas, críticos o. Su rechazo del arte astucia mundo puede parecer hoy extranjero, cuando los artistas individuales enfrentan pocas repercusiones para doblar a las presiones del mercado, y los donantes grandes instituciones culturales de la corte con fuentes poco fiables de la riqueza a pesar de la protesta pública. Todavía es inquebrantable compromiso con una visión rigurosa de su propio arte a veces traducido en acciones que sólo puede ser descrito como un sabotaje carrera, pero su ejemplo podría ofrecer un modelo para artistas que desean trabajar en sus propios términos. 

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Clyfford Still: PH-272 , 1950, óleo sobre lienzo, 105 por 88 1/8 pulgadas.CORTESÍA MUSEO CLYFFORD STILL, DE DENVER. (C) DEL ARS, NUEVA YORK.

Nacido en Grandin, Dakota del Norte, en 1904, todavía tenía una vida temprana dura: se crió en esencia un trabajador libre a su padre, que cultiva la tierra inhóspita en Canadá. De acuerdo con David Anfam, director del centro de investigación del Still de Museo, dijo el pintor, “De donde vengo, que o bien se levantó y vivido o establecidas y murió.” Después de una breve estancia en Nueva York para estudiar en la Art Students League en 1925, todavía se establecieron en la costa oeste. Recibió su MFA de la Universidad del Estado de Washington Pullman (ahora Universidad Estatal de Washington) y enseñó allí hasta 1941, cuando se trasladó a San Francisco para trabajar en un astillero industria de la defensa sin dejar de pintar. Los años de guerra fueron formativo para todos modos, mientras se alejaba del estilo regionalista figurativa que había perseguido durante la Depresión y desarrolló su vocabulario abstracto firma. Con el tiempo consiguió un trabajo en la Escuela de California de Bellas Artes (ahora el Instituto de Arte de San Francisco) la enseñanza junto a Mark Rothko; el Museo de San Francisco del arte moderno presenta su primera exposición individual en 1943.

Rothko animó Aún trasladarse a Nueva York, y desde el principio los dos hombres eran solidarias entre sí. Rothko introdujo Aún a Peggy Guggenheim, escribió acerca de su trabajo, e incluso ayudó a de-instalar su exposición en galería Art of This Century de Guggenheim en 1946. Su amistad temprano, sin embargo, se convirtió en la rivalidad dura para el momento de su inclusión mutua en “15 americanos “, una exposición de 1952 en el Museo de arte moderno que han jugado un papel importante en la definición de la percepción pública de arte abstracto. Pero si “15 estadounidenses” marcó un punto alto en la carrera de Todavía en Nueva York, también fue el punto más bajo de su interés en ser parte de una “Escuela de Nueva York.” En el momento en el show abrió, todavía había tomado la decisión de tomar un descanso de exposiciones públicas, que duró por el resto de la década.

“Creo que sintió que las audiencias no eran ‘listo’ para tal pintura de vanguardia,” Still Museum director Dean Sobel, que aparece en el documental, escribió en un correo electrónico. “Él sentía que el mundo del arte estaba lleno de profesionales de auto-servicio que se habían hecho nada más que una carga para sus energías creativas.” Después de tres exposiciones individuales de éxito en Betty Parsons Gallery, todavía escribió una carta al distribuidor en septiembre de 1951 su prohibición de la inclusión de su arte en exposiciones públicas (aunque podía seguir vendiendo su trabajo).

Parsons famoso compararon Aún así, junto con Pollock, Rothko y Newman a “los cuatro jinetes del Apocalipsis”. La película de Scholl afirma que, a diferencia de los otros, todavía no buscó reconocimiento público o el éxito comercial. De hecho, con frecuencia se resistió a la mayoría de las oportunidades de otros artistas habrían acariciado. Cuando el MoMA decidió comprar una de sus obras en 1954, todavía estaba decepcionado de que el museo eligió lo que él consideraba una pintura menor. Dio la institución una copia de puntos y fuera de la obra que querían. En la película, su hija Sandra Aún Campbell describe la forma en que “emocionalmente pintado con la mano izquierda.” Aún rechazado invitaciones para exponer en la Bienal de Venecia al menos tres veces, descartando la ocasión como una gira de distracción. De acuerdo con Campbell, celebrada Aún críticos de arte como Clement Greenberg “en el más alto desprecio. ”Mientras que Greenberg alabó Aún como un‘rebelde altamente influyente y un genio independiente’, el pintor era menos generoso. EnLínea de vida, crítico de Jerry Saltz lee en voz alta una carta de Todavía deriding Greenberg como un “hombre pequeño y lujurioso.”

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Vista de la exposición “Clyfford Still: pinturas,” 1979, en el Museo Metropolitano de Arte.FOTO SANDRA TODAVÍA. CORTESÍA ARCHIVO CLYFFORD STILL.

Todavía podría ser particularmente mordaz hacia otros artistas en el círculo, muchos de los que consideraba ser seguidores de su ejemplo. En las grabaciones de audio ofrecen en línea de vida , todavía rasgaduras en Newman, alegando que del pintor de iconos “cremalleras” eran derivado de Still de líneas de la firma:

“Siempre ha habido mucha imitación, pero el registro es todavía una historia de unos pocos individuos. Veo Barney, con toda su energía, como un hombre de impotencia casi patético. Con una buena mente, es incapaz de ambición trascendente. Sólo en la destrucción total de esta unidad, o una de ellas de escape, será alguna vez estar en condiciones de crear más de un acto patético “.

Como Lifeline notas, de Newman 1948 avance Onement, yo , que introdujo la cremallera vertical que es posterior a la firma de composición con motivos de la artista trabaja como Still de julio de 1945 R,una composición vertical con una línea aislada en su centro que fue mostrado en una exposición de 1946, la cual Newman asistió, en la galería de Peggy Guggenheim.

Sin embargo, la degeneración de la amistad de Aún con Rothko es uno de Lifeline narrativas centrales ‘s En su Revere marca grabadora Aún expresado su creciente menosprecio para la salida de su rival:

 Le dije a Rothko en varias ocasiones que él debe abandonar tal sentido, olvidar esta cosa mito, que fue la vinculación con los griegos,. . . y sus difusos Bauhaus asociaciones culturales. [Él] estaba muy feliz de dejar el conjunto I rigor con el acto creativo para su fabricación constante de variedades de rectángulos “.

éxito comercial y crítico de Rothko, impulsado por grandes encargos de Seagrams, Universidad de Harvard, y los de Menil, sólo parecía aumentar aún es desprecio, que lo llevó a la marca Rothko una traición. A pesar de su éxito, Rothko descendió más profundamente en la depresión, caído en el consumo excesivo de alcohol y el tabaquismo, se separó de su segunda esposa en 1969, y murió por suicidio en su estudio del año siguiente. Cuando Todavía se encuentran fuera, él se mostró indiferente; en la película Sobel describe los rumores de que el artista dijo algo así como: “El mal recae en los que los malos vivo vidas.”

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Clyfford Still: PP-493 , 1936, en colores pastel y lápiz de color sobre el papel, 8 1/2 por 11 pulgadas.CORTESÍA MUSEO CLYFFORD STILL, DE DENVER. (C) DEL ARS, NUEVA YORK.

En un momento en el arte y licor podrían ser inseparables, Still, quien según Sobel tenía la capacidad de tomar casi cualquier persona debajo de la mesa, rara vez bebí, y no fumaba. También cultivó una vida familiar relativamente estable, de acuerdo con sus hijos, que, al ser entrevistado en la línea de vida, compartir fotografías, películas caseras, y el retrato del artista de su primera esposa y su madre, Lillian agosto Battan. El documental relata el colapso de la relación del pintor con Lillian, su amor de juventud. Comenzó a ver a Patricia Garske, uno de sus antiguos estudiantes de arte de Washington State College, dieciséis años menor que él. En la década de 1940, el artista siguió Garske casado, itinerante a San Francisco; entonces, en 1950, después todavía había crecido separado de su esposa, Garske lo siguió a Nueva York. En la película, más vieja hija todavía Diane Knox describe el cambio como una “inevitable”:

“Lillian was no competition, not that she wasn’t beautiful, but she was unhappy. [When] Patricia came, she was one of the students who came to the apartment, and waited [with] bated breath for everything he said. Lillian had to produce the cookies, and she felt [like] nothing but a waitress by then.”

Campbell attests to Garske’s central role in fostering her father’s career through her frugality, orderliness, and record-keeping skills. She worked eight hours a day for him, often staying up late for a social hour he would host with fellow artists. Garske, who made everyone call the artist “Mr. Still,” was key to Still’s productivity in his later years: he made about 375 paintings in the last twenty years of his life, more than he completed in his prior forty.

Still’s prolific years may come as a surprise to viewers who have seen only a handful of his paintings. Indeed, Lifeline helps dispel the myth that the painter’s break from the art world was permanent. Still and Garske carefully managed his career from their farm, then, starting in 1961, from their New Windsor, Maryland, house, keeping distance from the New York art world. Still began presenting his work in one-person shows across the country: the Albright-Knox Art Gallery in 1959; the Institute of Contemporary Art, Philadelphia in 1963; Marlborough-Gerson Gallery in New York, 1969–70; and the San Francisco Museum of Modern Art, which opened a permanent installation of his paintings in 1975, upon receiving twenty-eight of them from the artist. He often asserted tight control over these presentations by curating the show, writing the catalogue essay, or both. The culmination of Still’s career was his survey at the Metropolitan Museum of Art in New York in 1979—to date the biggest presentation given by the museum to the work of a living artist. 

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Clyfford Still: PH-129, 1949, oil on canvas, 52 5/8 by 44 3/4 inches.COURTESY CLYFFORD STILL MUSEUM, DENVER. (C) ARS, NEW YORK.

Para todas las revelaciones del cine, Scholl, un premiado documentalista que ha hecho películas sobre artistas Theaster Gates y Tracey Emin, hay historiador del arte. El realizador cita descripción de su colega de Robert Motherwell como “muy independiente”, y Gerald Norland, ex director de SFMOMA, dice que Richard Diebenkorn describió el trabajo de embargo como “muy americano” e “influencia rechazar.” Sin embargo, estudios recientes sobre el Still, incluyendo el catálogo de “Clyfford Still: La reserva Colville y más allá, 1934-1939”, curada por Patricia A falta académico en el Museo Clyfford Still en 2015, ofrece una explicación más matizada de las raíces de las tradiciones todavía en América regionalistas y la inspiración que encontró en las culturas nativas norteamericanas. Mientras todavía estaba trabajando con la colonia del arte de Verano de Washington State College a finales de 1930, por ejemplo, él y sus estudiantes creó un extenso registro visual de la cultura Salish del interior del estado noroccidental, cuyas tradiciones visuales sugieren fuertes precedentes de la obra de Still.

Línea de vidaTambién espera, la evaluación sigue siendo legado mediante la inclusión de entrevistas con artistas contemporáneos que reconocen su influencia, incluyendo a Mark Bradford y Julian Schnabel. notas pintor Julie Mehretu sigue siendo capacidad de mostrar la “experiencia ralentizado que va más allá de la vida”, que trasciende las preocupaciones cotidianas. Aunque todavía mismo pudo haber percibido la ironía de tener estrellas del mercado del arte como Schnabel hablar en su nombre, sus voces son un testimonio de la fuerza de Still de logros artísticos, que han afectado profundamente el arte americano a pesar de, o quizás debido a- su dificultad inherente. Las barreras que aún y su viuda erigidas en torno a su trabajo significan que cualquier persona que quiera comprometerse seriamente con este artista tuvo que ser deliberado y decidido. Y para ver su trabajo como él quería, todavía se debe viajar a Buffalo, San Francisco,Lifeline señales de que un viaje serían bien vale la pena.

En este artículo se presenta bajo el título “ imágenes fijas y móviles  en la edición de marzo 2020, en pp. 38-45.

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