International Film Festival Rotterdam 2020: The Gaze of the Old Filmmaker | Filmmaker Magazine

Origen: International Film Festival Rotterdam 2020: The Gaze of the Old Filmmaker | Filmmaker Magazine

Festival Internacional de Cine de Rotterdam 2020: La mirada de lo viejo cineasta

Gotas para los ojos Got Me demasiado loco de Corman

Tyger Tyger quema brillante,

En los bosques de la noche:

¿Qué ojo o mano inmortal, 

Dare idear tu terrible simetría?

– William Blake

Como uno de los programas de la pieza central de la 49 ª edición del Festival de Cine de Rotterdam Internacional (IFFR), “El Tyger Burns” fue una muestra cauto de no-hipness. Qué alegría era pagar testigo repitió a una serie de películas de esta envergadura por lo que alegremente, de manera deliberadamente fuera de contacto. ¿Qué mejor manera de socavar el amor generalizado de voces emergentes, nuevos talentos y genios jóvenes que a su vez al envejecimiento, incluso artistas seniles que han caído ya sea de moda o perdido la atención internacional. Celebrar realizadores boomer en un ambiente de fiesta obsesionado con la vitalidad de la juventud? No es lo artístico el único dominio que, los jóvenes, hemos dejado la reivindicación como la nuestra? ¿No han tomado todo lo demás de nosotros? Ahora quieren nuestra atención con nuestro amor-demasiado?

Lo que una serie tan improbable como destapa “El Tyger Burns” es una arqueología de estilos. Un espíritu de la época una vez pasa a través de estos directores; cuadratura a sí mismo con su trabajo reciente es la cuadratura a sí mismo con una historia viva. La gran paradoja: estos veteranos abrazar la tecnología moderna con una curiosidad y el sentido práctico que muy a menudo supera los intentos más conservadores, más de moda y de buen gusto de sus contrapartes juveniles. Sin embargo, lo que están haciendo no es nueva. El espectador diligente tiene en cuenta no sólo el tiempo presente de una obra, sino también simultáneamente a chip y tamizar a través de las capas fósiles de la historia estilística, estrategias formales y métodos de trabajo enterradas bajo las arenas del tiempo. 

Al decir todo esto, no me refiero a causa ofensa al bien joven de persona le gusta de la película que hemos Botas ( Ngor luna Yau yu ella , Evans Chan, 2020) -Piense Oasis ‘Wonderwall’, como uno de los himnos de ocupar y se obtiene lo kitsch esta película maravillosamente desordenado por la estética kitsch de los movimientos sociales es de hasta a- El año del Descubrimiento ( El año del Descubrimiento , Luis López Carrasco, 2020) -tres-and-a-half horas dedicadas a la reactivación, volver a trabajar y volver a imaginar los archivos audiovisuales de la historia laboral español en la década de 1990, con el mejor uso de la pantalla dividida durante décadas, o Pabellón de Austria(2019)—Philipp Fleischman’s four minute portrait taken at the Biennale di Venezia shot “simultaneously” by hundreds of peephole cameras that plays onscreen like an experimental animation from the ‘30s.

Pero los realizadores mayores eran donde la acción estaba en. Algunas de las formas vistas en “The Tyger Burns” fueron una vez en boga, sus inventores objeto de reconocimiento internacional. Algunos de estos realizadores, como Karel Vachek (b. 1940) o Yamada Yoji (b. 1931), son hoy los últimos miembros supervivientes de, culturales “New Waves” nacionales con las que ellos mismos han tenido que contar artísticamente durante más de cincuenta años. Otros todavía nunca tuvieron la oportunidad de disfrutar de la calidez de cualquiera de tales elogios, sus innovaciones en vez forjada en la oscuridad. Muchos de estos directores experimentados saben cómo hacer el trabajo y saben cómo divertirse. Los hombres en particular, en su mayoría de manera problemática, por supuesto, han pasado más allá del punto en el que el buen gusto es gran parte de una consideración. Un punto destacado en este aspecto particular fue “Fancies Pasando”, un pantalón corto programa que, ejem, 

El primero: la sorprendentemente titulado Ducky-Ducky-Ducky (2020). Dos supermodelos rusas se encuentran al lado de un lago. Un hombre de edad avanzada el propio realizador, naturalmente relojes mientras que la pesca cerca. Las mujeres representan una pequeña charla críptica. A continuación, hacer fuera. A continuación, pele. Luego pasear a la orilla del agua y de buceo bajo su superficie. A continuación, hacer salir desnudo y bajo el agua durante el tiempo de ejecución restante, shimmying a través de la falta de definición abstracta de color grisáceo de este espacio como si flotara en un mundo paralelo indistinta más allá del tiempo. Todo esto se hace con pericia en su mayor parte en los planos generales señoriales por, de todas las personas, Sergei Soloviov (b. 1944), uno de los mayores y más magistrales cineastas rusos de la última mitad del siglo. Que también, como he mencionado, juega el pescador, tal vez no uncoincidentally, al tanto de todo este espectáculo.

El segundo: la titulada tanto más luminosa de Corman gotas para los ojos Got Me demasiado loco(2020) por un maestro de schlock, perturbador brasileño Ivan Cardoso (b. 1952). A juzgar por su afán de grabar cada toma lugar artimaña antes y después de las proyecciones de Rotterdam en su teléfono celular, Cardoso había tomado claramente una oportunidad, cumpliendo el propio maestro en algún encuentro casual a disparar lo que se convertiría en la base de este pico salvaje en una mente llenado hasta el borde con el detritus de una vida obsesionado con el cine basura. En estas breves extractos, Corman sostiene Cardoso abajo y administra la fuerza a él gotas para los ojos la intención de convertir Cardoso en un mismo carácter Corman maldito. Cardoso grita en agonía como Hammy alucina una verdadera tormenta de parpadeo, imágenes delirantes basura. Corman, supongo que todo el deporte para este tipo de cosas, cacarea como un maníaco, Vincent estilo precio, mientras lo hace. 

Alrededor de todos estos látigos Cardoso hasta una fantasía de material reciclado de toda la vida obsesionado con la alta y baja tanto, así como fragmentos de las películas a horcajadas igualmente alto-and-lowbrow de Corman. En lo alto de estas imágenes, Cardoso ha superpuesto (o tal vez incluso rayado directamente) laceraciones película de celuloide que ondulan y calar al igual que los hombres de palo bailando. Tal vez lo que funcionó dentro de este microcosmos de “El Tyger Burns” tan bien se la inspiró, al parecer yuxtaposición esquizoide de Soloviov y Cardoso, aquí unidos en su persecución descarada de una u otra variedad de sordidez.

También hubo entradas mucho menos machistas en la serie por Michael Pilz (b. 1943) y Raquel Chalfi (b. 1939). Cada producidos, con una seriedad poco elegante y poco llamativo de propósito, lo que probablemente mis dos entradas favoritas en “The Tyger Burns.” En La Fuente Ocultos – El mundo de Miriam Chalfi (2019) y con amor – Volumen Uno 1987-1996(2020), Pilz-Chalfi investigar lo que significa vivir y experimentar sensorialmente-una vida artística, la antigua forma explícita y este último de manera implícita. búsquedas Chalfi para la belleza y la seriedad en la creación artística, a saber, la de su madre, el escultor israelí destacada Miriam Chalfi. Lo hace mediante el establecimiento de estos objetos totémicos en contra de la simple gracia de su madre, visto en definitiva, a regañadientes entrevistas y momentos de baja fi capturados de su vida familiar. Por otro lado, Pilz mira hacia el mundo material que le rodea, embotellado gotas de tiempo que el robo de sonidos e imágenes-luz moteada. A pesar de tiro durante el período trazó en el título, Pilz sólo volvió a estas imágenes recientemente, décadas después de sus contornos específicos se perdieron en la memoria. Es un mundo con un significado adicional para los cinéfilos, 

Por lo tanto, no se trata simplemente de la vida artística, sino de uno dirigido amante, y la meditación, películas. Usted no sería un error suponer que hemos visto este tipo de espectáculo antes. Pero el milagro de Con Amor – Volumen Uno 1987-1996 es que las discusiones que tienen lugar son menos acerca de los detalles del tema en cuestión, que de manera aislada varían en su valor como discusiones individuales, sino de la materia misma de la conversación. La luz de la tarde suave en la sala, los gestos, el ritmo de creación de lento, o el humo que subía de una taza de café en el estilo fragmentado del escritorio-Pilz es tal que las discusiones son vasos en primer lugar para estos tesoros, las rescatado de un mundo cotidiano del pasado y elevado en el reino artístico de la presente. En una manera similar,La fuente Ocultos ‘s se rompe sujeto en un millón de momentos de usar y tirar. Al igual que la mano de obra propia de su madre, Chalfi Jr. está tratando de socavar a su tema difícil de alcanzar pulgada a pulgada. Por alguna razón, me encontré con la dedicación de Chalfi sor a ella, así como su sencillo seriedad de intención, inspirando profundamente y en movimiento. Del mismo modo, las escenas de arenas en la que lejos en un trozo de mármol, sin ego obvia y sólo la montaña de trabajo por delante para agudizar su concentración, son tan sorprendente. Chalfi el realizador es, como su madre, tratando de encontrar la estatua en la piedra. De este modo, tanto dejar la impresión de un verdadero proceso de creación artística, uno cuya devoción me parece ausente de las películas que regularmente entran en contacto con, así como, seamos honestos, desde mi propia azarosa vida artística.

Me pregunto también: ¿Podría una persona joven, no sólo jóvenes de corazón-han hecho, por ejemplo, Reiwa Levantamiento ? Sinceramente dudo. A pesar de su tema implícito importa es nuestro actual clima político y sus horrores necesarias (este tipo de alarmar a ser uno de ellos tecno-populismo), es una película clásica anciano. Acerca de la campaña electoral de Reiwa Shinsengumi, una de tres meses partido populista de edad que ganó dos asientos en la elección japonesa en julio de 2019, la película es una mezcla deslumbrante de edad temperamento tipo y el loco abandono de alguien que fue una vez un joven disruptor, Hara Kazuo (b. 1945).

De lo que sea Hara propios pronunciamientossobre el tema, la propia película Alice ninguna posición real en relación con la estructura política de dudosa Reiwa Shinsengumi, ni a su líder hucksterish Yamamoto Taro. Cualquier persona, incluso oblicuamente familiarizado con la política japonesa sin duda puede imaginarse a sí mismos siendo arrastrado por este tipo de cosas, la diversión de un insurgente de la clase trabajadora ostensiblemente “movimiento”, especialmente uno cuyo paso electoral fundamental tiene como premisa abierto desprecio por los demócratas y liberales del Primer ministro. Pero de esta manera, Reiwa Shinsengumi en realidad sólo es paralelo corrupta Movimiento Cinco Estrellas de Italia en una escala mucho menor, con su mezcla estratégica pero en última instancia impotente de la izquierda y de derecha impulsos encerradas en un populista, cáscara de anti-sistema. A medida que la película deja en claro, las quejas son reales: el propio Yamamoto vino del movimiento anti-nuclear, y sus candidatos cada uno de los lugares hablan de un profundo trauma. Pero como siempre, equivale a pura mierda-político y de otra manera. Y si se siente de la misma manera, la película demuestra ser una fuente de fascinación en cuanto a cómo operan estos esquemas de Ponzi electorales.

Que encuentra su apoteosis en una escena que representa un flash-mob de artistas que bailan a Michael Jackson “Thriller”. Esto sigue una referencia elaborada a ella durante un discurso de campaña en Ginza, en el que las supuestas cualidades metafísicas de la canción están enumerados por Ayumi Yasutomi, el altavoz en cuestión y lo más cercano a un protagonista como lo hemos hecho en la película. Un texto aparece en pantalla, firmado por Hara, explicando en broma que no podía borrar los derechos de la canción. Cuando volvemos a la misma escena, los bailarines barajan en el tiempo para un poco de “Thriller” versión vagamente -como imitación, establecido en un tono sombrío inferior y más que el original de Jackson. Suena como si Hara tiene regrabada sus pasos y movimientos en un estudio, que da toda la actuación espeluznante una disonancia que burlas, incómodo con el vacío de la propia truco. El efecto, entonces, es mostrar esto como lo que es: una versión de marionetas de la acción política. Al igual que el equipo detrás de Reiwa Shinsengumi, los bailarines se mueven en el tiempo para alguna versión de la música original. Como espectáculo, suena hueco.

De Karel Vachek comunismo y la red, o el extremo de la democracia representativa (2019) fue el segundo punto de inflamación brillante, en serio políticamente sospechoso en la serie. Como una película que tomó vida propia, aparentemente más allá de la política vividas de su fabricante. Donde la mirada impasible de Hara espacio de la izquierda para el espectador que luchar con las consecuencias más duras sugeridas por la película, hojas Vachek nada ambigua. Su tema -además perenne sí mismo, es Chequia, y Checoslovaquia, en todas sus múltiples formas. Comunismo y la red no es una excepción. Vachek es una vieja escuela comunista Checa, si uno con más de una racha anárquica. Significado: odia, entre muy pocas otras cosas, Václav Havel y la revolución de terciopelo, los cuales representan un tipo de trauma desde hace mucho tiempo para él. 

En la mente de Vachek, al igual que con la mayoría de los miembros de ese grupo demográfico considerable, lo que sucedió en las secuelas de 17 º de noviembre de 1989 fue una broma cruel, una inversión de la enfermedad de la promesa del 1968 Primavera de Praga. Los tanques soviéticos que rodaban en Checoslovaquia en el 68 garantiza que el comunismo liberal prometido por Alexander Dubcek nunca llegaría a pasar. Y en esta formulación, la liberalización de Havel no sólo reemplaza el socialismo con una economía de consumo, pero abrió el camino para la venalidad y la corrupción de sus sucesores cada uno de los cuales han sido, como cualquier Checa bajo la edad de 50 años sabe, peor que el anterior. Afortunadamente, Vachek no tiene sentimientos de licitación para cualquiera de ellos tampoco. 

Lo que el comunismo y el neto asciende básicamente a es un irreverente expedición de cinco años y una media de duración en los recovecos de este trauma. Vachek es un Imagemaker polimorfa, cambiando entre tantas fuentes visuales como sea posible. Él repurposes arbitrariamente imágenes de sus películas anteriores y se basa en lo que parecen ser outtakes de estas mismas obras, así como de los informes de noticias, conferencias YouTube por Slavoj Zizek (con el que comparte una afinidad filosófica notable, así como todas aquellas problemáticas difíciles) y grabaciones de teléfonos celulares de sus conferencias en la FAMU. De lo contrario, las nuevas imágenes lo tanto cuentan jugando una especie de maestro de ceremonias de todo el asunto, vestido con traje y sombrero de copa, así como la organización de estas escenas en tiempo real. 

Antes de que veamos Vachek, por ejemplo, montar dentro de una bola de plástico transparente gigante abajo de una secuencia en la nieve, y no algo por lo menos, obviamente, cargado de significado simbólico, gracias a Dios, también vemos a preparar este momento como una escena . Con ello, se obtiene la doble visión de su trabajo, el servidor de ensayo y la puesta en escena, tanto en un solo instante. En otro, lo vemos repetir los mismos movimientos maniobrando a través de una sala de juntas y otra vez, como si él es casi dispuesto una especie de ficción a la existencia, o como si atrapados dentro de este trauma histórico en marcha de la que es incapaz de liberarse a sí mismo.

Este enfoque paga dividendos en los momentos en los que enumera Vachek, por ejemplo, su teoría de cómo los saudíes deberían intervenir en el conflicto entre Israel y Palestina de la solidaridad racial con su compañero de “árabes”, o cuando diatribas sobre su odio a la multiculturalidad. En un cinco más horas película, abundan estos momentos. Pero tan incómodo como lo son de forma aislada, sino que también es claro que Vachek el realizador tiene, quizá por instinto, tallado en un espacio independiente para estos estallidos. (No obstante lo cierto uso cuestionable de material de archivo de un espectáculo de variedades judía en el medio de una discusión con Gideon Levy.) Estas explosiones funcionan como un fragmento de esta psychoportrait de sus propias preocupaciones. 

Por supuesto, como con Kanye West o Jean-Luc Godard, cuyos personajes funcionar de manera similar dentro de su trabajo, su experiencia puede variar. Pero lo que “El Tyger Burns” propuesta era que esta renovada atención a la “mirada de lo viejo realizador”, como ellos dicen, no es sólo una manera de meterse en el amplio río de la historia, sino para ser revitalizada por ella. 

Tal vez fueron las instituciones de películas de hacerlo a una escala mayor, a ir contra las corrientes de la novedad y dedican una fracción de sus presupuestos a la fuera de moda o anticuada terminal, la revitalización continuaría. 

Llamarlo un bautismo.


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