“Pretty Much Everything in Life Influences My Shooting”: DP Reuben Aaronson on The Cost of Silence | Filmmaker Magazine

Origen: “Pretty Much Everything in Life Influences My Shooting”: DP Reuben Aaronson on The Cost of Silence | Filmmaker Magazine

“Casi todo lo que influye en la vida Mi disparo”: DP Reuben Aaronson en El Costo del Silencio

Un fotograma de El Costo del Silencio por Mark Manning (cortesía del Instituto Sundance)

El 20 de abril de 2010, Deepwater Horizon de BP unidad de perforación mar adentro experimentó una explosión mortal que sería el peor desastre ambiental en la historia de Estados Unidos. En el transcurso de 87 días, 130 millones de galones de petróleo se derramaron en el Golfo de México, y los productos químicos mortales se utilizaron en el largo proceso de limpieza que los civiles y los trabajadores no fueron advertidos acerca, lo que lleva a la intoxicación efectiva de aquellos en las proximidades de la catástrofe. El gobierno de Estados Unidos y las compañías petroleras no han sido considerados responsables del mal uso de este producto químico casi una década después de ocurrido el incidente. DP Reuben Aaronson detalla la experiencia, a menudo devastadoras de trabajo sobre El Costo del Silencio , una exposición crítica sobre los peligros de la perforación en alta mar. 

Realizador: ¿Cómo y por qué terminar siendo el director de fotografía de la película? ¿Cuáles fueron los factores y atributos que llevaron a su ser contratado para este trabajo? 

Aaronson: Mi amigo, Mark Manning, que solía ser un buzo comercial de aguas profundas en las plataformas petrolíferas similares a los que volaron en el Golfo en 2010. Él voló hacia allí para comprobar que funciona de inmediato. Cuando regresó a Los Ángeles, y oí lo que tenía que decir acerca de lo que estaba ocurriendo allí abajo, inmediatamente le dije que estaría a bordo de este viaje donde podría llevarnos. Ninguno de los dos sospechábamos en el momento en que el viaje tomaría años diez. 

Realizador: ¿Cuáles fueron sus objetivos artísticos en esta película, y cómo hizo para que se den cuenta? ¿Cómo desea que su fotografía para mejorar la narración de la película y el tratamiento de sus personajes?

Aaronson: Esta es una gran pregunta que surge para mí en cada película. Y la respuesta cambia con cada película. Cambia con cada día de rodaje. 

Con la figura-él-hacia fuera-as-you-go tipo de narración como el costo del silencio , el control general es más o menos por la ventana. Encontrar un estilo / enfoque apropiado para una película es algo que espero hacer antes de cualquier película. Pero nosotros no suelen tener los diseñadores de producción de nuestros equipos de documentales. Como resultado, estoy en constante búsqueda de tipos imprevistos, mágicos de disparos que mejorarán la narración, pero no distraer de ella. Por lo general, las vacunas que estoy buscando son conscientemente “momentos se encuentran.” 

Cuando estoy filmando, quiero dar las opciones de edición. Y quiero tratar de anticipar cualquier dirección una escena dada podría ir en la edición. No era tan fácil de hacer en este caso. Mucho más fácil que hacer para, por ejemplo, una película sobre un constructor maestro góndola en Venecia, Italia. Especialmente difícil si usted no sabe dónde va la historia o que en realidad podría seguir adelante de forma impredecible durante años.

Mientras estoy filmando, estoy escuchando con atención a la persona que nos estamos centrando en busca de pistas sobre lo que llamo “metáforas visuales” para ayudar a ilustrar una historia editada que aun no se ha formulado aún. 

Esta película fue rodada durante un largo periodo de tiempo bajo un montón de diferentes condiciones durante más de 25 viajes de disparo independientes. Cuando lo encontramos necesario añadir poco elegante mirando stock metraje de múltiples fuentes en el, al igual que, la tercera generación de imágenes de las noticias de televisión y las imágenes de otras personas de la cámara en diferentes tipos de cámaras, invariablemente terminamos con una mezcla de “miradas” y siente que acaba de llegar con el territorio para este tipo de película. Eso no es una parte de mi diseño de la visión-Quiero arte.

Así es como me siento: siempre quiero el arte. Sin embargo, un proyecto de estas características con nuestro tipo de rodaje horario único arte logrado en muy pocos lugares. Me conformo cualquier momento para una entrevista en lugar bien iluminado, con alguien en la cámara que contar una historia que te dan ganas de gritar o llorar.

Realizador: ¿Hubo influencias específicas en su cinematografía, ya sean otras películas, o el arte visual, o la fotografía, o algo más?

Aaronson: Casi todo lo que influye en la vida de mi disparo. 

Mientras cuenta la historia específica que nos ocupa es claramente el importante papel la mayor parte de la realización de documentales, el “qué” y “cuándo” y “cómo” de disparar esa historia tan a menudo se informó por elementos visibles e invisibles innumerables que intervienen en la mejora de que la narración. 

La cámara y lentes que elijo son otra gran influencia en mi forma de trabajar. Por cómo lo veo. Las herramientas definen las soluciones.

En el caso de esta película, que casi siempre aterrizamos en la persona / ubicación fría sin ninguna de exploración previa. Marcos habría tenido una conversación telefónica con ellos, por supuesto. Por lo general, un período relativamente corto de un solo por diseño. A menudo nos discutir una próxima escena en la ruta a la ubicación.

menudo estábamos limitados por la cantidad de tiempo disponible para disparar cualquier secuencia dada. A veces, las personas que están siendo filmados podrían ser reacios a estar en la cámara o para hablar con nosotros. Por lo tanto, que no suelen sonar su timbre con 8 cajas para equipos de aspecto intimidante grandes en la mano. Tratamos de aliviar, sintiendo la situación para empezar. 

Marcos comenzaría a participar con ellos, que les recuerda lo que somos y lo que estábamos tratando de hacer. Él es bueno con la gente. Ellos tienden a confiar en él de la derecha. Siempre estoy escuchando con atención, sino también mirando a su alrededor (sutilmente) de donde el mejor lugar podría ser para una entrevista. Y siempre para esas metáforas visuales para ayudar a contar la historia de esta persona dentro del contexto de la historia más grande de nuestra película.

Realizador: Cuáles fueron los mayores desafíos planteados por la producción de esos objetivos?

Aaronson: Además de los mencionados anteriormente, con el tiempo mismo es un elemento importante del desafío, el dinero era la otra. Nos financiando este proyecto nosotros mismos, teniendo cada viaje y cada giro en la historia de un paso a la vez. Tuvimos ángeles financieros ocasionales que vinieron al rescate en el momento justo. Así retos? Tiempo y dinero. ¿Qué más hay de nuevo?

Cuando estábamos filmando en el Golfo o más tarde en Washington, DC, que tenía un montón de opciones que se nos presentan en un momento dado. Persistente, por ejemplo, otra hora con alguien para conseguir algunas fotos de ellos o de sus fotos familiares o caminando al aire libre con la familia de los perros-toda decisión de hacer ese tipo de compromisos de tiempo llevó tiempo el potencial de la próxima ubicación y la historia esperando a desarrollarse en la siguiente parada. 

Casi siempre tengo la cámara en mis manos donde quiera que vayamos. Una vez, durante la conducción con Kindra-, una de las personas más importantes en la película, yo estaba en el asiento del pasajero mientras estábamos justo en coche de un lugar a otro. Ella comenzó a decir algunas cosas sorprendentes sobre sus vecinos que estaban enfermos y moribundos después de que el derrame de petróleo. Empecé a rollo. Lo que estaba diciendo era tan espontáneo y potente. Pero 30 segundos en lo que estaba diciendo, empezó a llover. Ella tenía que poner en el limpiaparabrisas. Duro, arrojando fuerte lluvia. Con más tiempo, podría haber esperado a que cesara la lluvia. Pero ¿perdería el momento? ¡No! Absolutamente no. Puedes apostar que lo siguió rodando. Esa escena es más o menos la apertura de nuestra película, desuello, fuerte lluvia y todo.

Realizador: ¿Qué cámara ha rodado en? ¿Por qué eligió la cámara que lo hizo? ¿Qué objetivos ha utilizado?

Aaronson: mayormente He estado usando cámaras de cine de Canon. Cuando empezamos, ya tenía una Panasonic HVX-200, una cámara de vídeo de 720p que graba en tarjetas P2. Por el tercer viaje al Golfo, Mark y yo cada uno tenía un C100 Mark I y más tarde, en el proyecto, Mark y yo nos dieron 100 Mark II de. Me encanta muchas cosas acerca de esa cámara. Su única limitación es que se dispara 1080 4: 2: 0 y 8 bits.

Por lo general mantener una lente de 17-55 mm de Canon en él. Voy más amplia con un Tamron 11-16 como cuando se conduce con Kindra- en el coche. Y luego voy a ir por más tiempo cuando se siente bien con 24-72 o 24-105 o 70-200.

Casi siempre quiere hacer la fotografía primos, pero parece que no puede hacer que eso suceda dada la flexibilidad y la practicidad de los zooms.

Realizador: Describe su acercamiento a la iluminación.

Aaronson: Luz para que no parezca que estaba iluminado Pero crear belleza y profundidad en el marco dentro de ese límite.

Realizador: ¿Cuál fue la escena más difícil de realizar y por qué? y como lo hiciste?

Aaronson: Como era de esperar, la filmación de entrevistas con los niños con cáncer y sus padres es extremadamente difícil en muchos niveles. Un muchacho joven que aparece en la película estaba en muy mal estado y sentí una especie de extraña experiencia fuera del cuerpo estar allí en la habitación con él, escuchándolo, sabiendo que probablemente no iba a hacerlo.

Tengo la menor idea de cómo era capaz de gestionar esta manera.

Director de Cine: Por último, se describe el acabado de la película. ¿Cuánto de su mirada se “cuece en” frente realizado en el DI?

Aaronson: Sólo un disparo en LOG en uno de los viajes. No parecía hacer ninguna diferencia, visualmente, a mí. Otros están en desacuerdo. Se me ocurrió el rodaje de películas en las que llegar exposiciones “en el dinero” era una habilidad importante a tener. Así que mis imágenes tiende a ser expuesta correctamente para hacer bastante fácil colorear en el puesto. Y no tienden a tener “apariencia”. Nuestras miradas se llaman “realidad”.

TECH CAJA:

Título de la película: El Costo del Silencio

Cámara : Canon C100 MI y MII (más DJI Osmo y aviones no tripulados)

Lentes : Medio: Tamron 11-16, 17-55 y Cánones, 24-72, 24-105, 70-200.

Iluminación : mediano y pequeño tamaño LED en su mayoría. Bajo costo de fabricación china en su mayoría.

Me encanta la flexibilidad de las luces con batería (sin cables!) Y están potente y preciso cuanto a la temperatura para la prestación de un buen color a los rostros humanos. Casi siempre están filtradas a través de algo así como una seda y que a menudo están en forma de corte o con un kit portátil de la bandera / red. relleno sutil y luz de fondo. A menudo, algunos relleno negativo. Por lo general, unos cuantos más pequeño de LED esparcidos por toda la habitación para resaltar ciertos detalles de la habitación y darle el ojo algo que ver aquí y allí.

Procesamiento Digital fui hacia atrás y adelante sobre si tomar o no en el registro. Hay, naturalmente, dos opiniones diferentes sobre si es realmente necesario hacer esto. Con 8 bits, 4: 2: 0 en realidad no parecen ofrecer plano de la imagen un mejor final en puesto.

Corrección de Color : sólo moderadamente a cabo durante la edición antes de publicar. La película contiene una gran cantidad de videos stock de muchas fuentes diferentes, además de algunos videos caseros de una familia principal de que estábamos siguiendo y algunas imágenes de las noticias de televisión, así. Por lo que la clasificación fue un verdadero desafío que se cumplió heroicamente por Brian Hutchings al diseño diferente. 


Deja una respuesta